A artista não está presente: a nova performance de Marina Abramovic

Marina Abramovic cria exibição pop-up na Serpentine Galleries, em Londres, para apresentar The Life, obra que combina realidade virtual e performance. Vogue esteve na preview para conhecer em primeira mão
ROBERTA RISTOW

Marina Abramovic (Foto: Reprodução/Instagram)

Em 2010, Marina Abramovic apresentou a performance The Artist is Present (A artista está presente) no Museu de Arte Moderna de Nova York. Lá, passou 700 horas sentada numa cadeira cara a cara com os visitantes. A cena da artista com seu vestido vermelho rodou o mundo, celebridades como Lady Gaga e Isabella Rosselini fizeram fila para encará-la no vão central do MOMA e ser parte da obra.

Abramovic desafia os limites do corpo desde o início de sua carreira, no começo dos anos 70. Desta vez, é diferente, a artista se une ao que há de mais moderno em termos de tecnologia para expandir o alcance de sua arte que antes era limitada ao seu corpo. “O fato de que o projeto possa ser repetido em qualquer lugar do mundo sem que seja necessária minha presença é absolutamente incrível. Eu posso estar presente em qualquer parte do planeta”, contou Marina Abramovic à Vogue.

A artista criou em parceria com o Tin Drun, coletivo de tecnologia que estreia no mundo da arte, uma performance de mixed reality. Pela primeira vez, uma obra de arte utiliza uma tecnologia que permite que o espectador veja tanto o que é criado pela realidade virtual quanto o que acontece a sua volta, bastante diferente dos aparatos tecnológicos usados até então, onde o visitante tem a visão bloqueada e perde a noção do ambiente externo. “Quando você ia ao museu ver uma obra de realidade virtual, colocava os óculos e se isolava completamente, não enxergava mais os seus amigos nem os outros visitantes, apenas focava no que o aparato te mostrava. Ir ao museu é algo que une as pessoas, uma experiência que deve ser vivenciada com os outros, algo que antes não era possível acontecer nas obras que envolvem RV. É a primeira vez que algo assim é mostrado. O que estamos apresentando aqui é um diálogo entre o que há de mais importante nas artes visuais e o que existe de mais avançado na tecnologia”, contou à Vogue Hans Ulrich Obrist, Diretor artístico da Serpetine Galleries.

Para criar uma versão digital que fosse o mais fiel possível a realidade, Abramovic foi filmada por 36 câmeras diferentes em um estúdio ultramoderno na França. O resultado é uma espécie de holograma da artista que surge de vestido vermelho vivo, sua marca registrada, e se materializa e desmaterializa durante a apresentação. A performance minimalista dura 19 minutos.  

Segundo Hans Ulrich Obrist, é particularmente bom poder viabilizar esta obra com a Marina Abramovic, pioneira da performance no mundo “É uma forma de imortalizar o trabalho dela. Muito tempo depois de todos nós morrermos, Marina ainda estará presente, a obra ainda existirá. É uma forma muito interessante de transportar a performance para o futuro”.

Marina Abramovic: The Life será apresentada até 24 de fevereiro na Serpentine Galleries. A entrada é gratuita, mas é preciso reservar pelo site https://www.serpentinegalleries.org

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MoMA anuncia reformulação de sua coleção e promete mais inclusão

Museu vai fechar para expansão por quatro meses

MoMA, em Nova York (Foto: MoMA/ Reprodução)

Um dos museus mais importantes do mundo, o MoMA anunciou esta semana que vai fechar suas portas. Mas não se desespere: é por tempo limitado. O museu de arte moderna e contemporânea, em Nova York, vai passar por uma reforma por quatro meses, entre 15 de junho e 21 de outubro, quando vai ganhar uma expansão de 3 mil metros quadrados, ocupando o espaço em que até então funcionava o American Folk Art Museum. As obras, segundo o museu, serão possíveis graças às doações generosas de US$ 100 milhões de David Geffen e US$ 200 milhões de David Rockefeller

Entre os planos de expansão do MoMA estão uma nova plataforma educativa, um estúdio para performances ao vivo e programação, além de galerias de acesso gratuito ao público no térreo do museu e mais 1000 obras que passam a integrar a coleção do MoMA.

A curadora-chefe do MoMA, Ann Temkin, explicou que o período de reforma no MoMA servirá também para reformular como as obras do museu são apresentadas ao público: “Conforme a coleção foi crescendo ao longo das décadas, ela começou a virar o oposto de experimental. Ela começou a soar icônica, autoritária, e talvez até doutrinativa”, explicou, completando que algumas obras histórias, como a “Noite Estrelada” de Van Gogh, continuarão expostas ao público, mas dentro de um novo contexto. 

Uma das medidas mais importantes do MoMA para toda esta reformulação de seu espaço e coleção, porém, tem a ver com um assunto cada vez mais importante: a inclusão. Anunciando planos de fazer rodízios das obras de arte em exposição a cada seis meses, desafiando assim o olhar do visitante sobre o contexto de cada uma delas e deixando de limitar-se apenas à geografia. O museu promete ainda fazer justiça a artistas que até então foram renegados a uma menor exposição, apresentando mais trabalhos de artistas mulheres, afro-americanos, asiáticos e latinos

O presidente do MoMA, Leon Black, em uma entrevista ao The Times, chegou a declarar que o museu não “enfatizava artistas mulheres, não enfatizava o que minorias artísticas estavam fazendo, estando limitado demais à geografia”: “Eles eram sempre a exceção, e agora eles devem ser parte da realidade da sociedade multicultural em que todos nós vivemos.”

Entre as exposições agendadas para a reabertura do MoMA está um estudo sobre a arte latino-americana e uma exibicção da artista afro-americana Betye Saar, que incorpora em seus trabalhos “o misticismo tribal, história, memória e nostalgia africanos”.

A cineasta do iPhone, Charlotte Prodger, vence o prêmio de 2018 da Turner

Bridgit, da artista Charlotte Prodger de Glasgow, é elogiado pelos juízes como “inesperadamente expansivo”

Charlotte Prodger vencedora do prêmio Turner 2018.

Uma série de clipes curtos filmados em um iPhone mostrando a paisagem rural escocesa a partir de uma janela de trem, uma camiseta em um radiador e um gato agarrado a uma lâmpada ajudou Charlotte Prodger a ganhar o prêmio Turner 2018.

Prodger foi nomeado o vencedor do prêmio de 25.000 libras pela novelista Chimamanda Ngozi Adichie em uma cerimônia em Londres na noite de terça-feira.

O artista de Glasgow faz obras de imagens em movimento há 20 anos e faz parte de muitos radares da arte contemporânea. Mas ela está longe de ser bem conhecida e o júri disse que seu trabalho recente representou um avanço para uma maneira nova e mais expansiva de trabalhar.
Falando depois de sua vitória, Prodger disse: “Eu me sinto muito honrado, realmente impressionado. É bem surreal. É uma sensação adorável.

A artista disse que usou um iPhone para seu trabalho porque estava sozinha e o telefone parecia uma extensão dela: “Por causa da facilidade de uso e da maneira como você pode usá-lo enquanto você está indo pelo mundo. Para mim, tudo está lá.

Perguntada sobre o que ela poderia fazer com o dinheiro do prêmio, Prodger disse: “Eu vou viver com isso. Eu pagarei meu aluguel e meu aluguel de estúdio e algumas contas. Talvez haja uma pequena surpresa … provavelmente uma jaqueta legal. Não me segure para isso!

Prodger (centro) recebeu seu prêmio da escritora Chimamanda Ngozi Adichie e da diretora da Tate, Maria Balshaw. Foto: Peter Nicholls / Reuters

Alex Farquharson, diretor da Tate Britain, que presidiu o painel de jurados, disse que o trabalho de Prodger representava o “uso mais profundo de um dispositivo tão prosaico quanto a câmera do iPhone que vimos na arte até hoje”.
Prodger, de 44 anos, ganhou por sua exposição individual no Bergen Kunsthall na Noruega, que contou com duas obras cinematográficas, Bridgit e Stoneymollan Trail. O filme de 32 minutos, Bridgit, está em exibição na Tate Britain, como parte da exposição do Turner.

O filme é difícil de explicar. Há muita coisa acontecendo, aparentemente ao acaso. Explora classe, gênero, sexualidade e deusas neolíticas.

Prodger filmou o trabalho ao longo de um ano e incluiu imagens dela em casa e em suas viagens. Sua narração inclui trechos de autobiografia – saindo em Aberdeenshire no início dos anos 90, as pessoas sendo incapazes de dizer se ela é um menino ou menina, a suposição de que sua namorada é sua filha. Ela também cita The Modern Antiquarian, de Julian Cope.

O artista descreveu a peça como sendo sobre a fluidez da identidade de uma perspectiva queer; uma exploração do entrelaçamento de paisagem, corpo, tecnologia e tempo.

Farquharson disse que o júri achava que Bridgit era “incrivelmente impressionante na forma como lidou com a experiência vivida, a formação de um senso de identidade através de referências diferentes”. Ele disse que o trabalho evoca tradições na arte da paisagem e tem peso psicológico. “Isso acaba sendo tão inesperadamente expansivo. Não é isso que esperamos de videoclipes gravados em iPhones ”.

O júri levou mais de quatro horas para chegar a essa decisão. “Eu acho que o júri estava unido em um sentimento de que este trabalho estava introduzindo algo novo para o meio cinematográfico e como ele é usado na arte”, disse Farquharson.

Todos os quatro nomeados – três indivíduos e um coletivo – fizeram o trabalho do filme, tudo isso de alguma forma política. Dependendo da sua perspectiva, a exposição deste ano foi a mais maravilhosamente cativante na memória ou o trabalho mais difícil. Certamente, não é um show que deve ser experimentado rapidamente; a Tate recomenda quatro horas e meia.

Ele dividiu os críticos. Laura Cumming, do Observer, chamou-a de melhor em anos, “por turnos, quebrando, absorvendo, seduzindo, altamente política, freqüentemente momentosa”. Waldemar Januszczak, do Sunday Times, escreveu: “Do começo ao fim, esse aparato de esmagar a alma é extraordinariamente horrível”.

O favorito de muitos visitantes era a Arquitetura Forense, um coletivo que foi descrito como uma “agência de detetives arquitetônicos” que investiga crimes de estado e abusos dos direitos humanos em todo o mundo.

Baseado na Goldsmiths, Universidade de Londres, o grupo é formado por arquitetos, cineastas, jornalistas, arqueólogos, cientistas, advogados e desenvolvedores de software. Para o prêmio da Turner, exibiu os resultados de suas investigações sobre as mortes durante uma invasão de madrugada de 2017 pela polícia israelense em uma aldeia beduína no deserto de Negev.

O prêmio Turner, em vigor desde 1984, muitas vezes exaspera e emociona em igual medida e não é estranho a controvérsias. O mais próximo que chegou este ano foi o protesto contra o artista Luke Willis Thompson, um neozelandês de ascendência europeia e fijiana.

Alguns criticaram o trabalho de vídeo de Autoportrait, um filme silencioso de Diamond Reynolds, a namorada de Philando Castile, morto a tiros pela polícia em Minnesota. Thompson foi acusado de lançar um olhar branco de classe média sobre os casos de sofrimento negro. Um grupo de manifestantes vestindo camisetas com o texto “Black Pain Is Not for Profit” protestou contra os sofás da exposição em setembro.

O quarto artista nomeado foi Naeem Mohaiemen, que exibiu dois filmes de 90 minutos, um sobre um homem que vive sozinho em um aeroporto abandonado e outro sobre momentos da história de Bangladesh.

O vencedor foi decidido por um júri composto por Oliver Basciano, um crítico de arte; Elena Filipovic, diretora do Kunsthalle Basel; Lisa Le Feuvre, diretora executiva da Fundação Holt-Smithson; e o romancista Tom McCarthy.

A exposição do Turner do ano passado foi em Hull. Este ano foi em Londres e, no ano seguinte, o circo rola para Margate.

• A exposição do prêmio Turner vai até o dia 6 de janeiro. 
Mark Brown – The Guardian

Lista dos cem mais poderosos da arte inclui MeToo em 3º lugar e 3 brasileiros

Movimento ‘mudou o clima no qual se apontam curadores e se entregam prêmios’, diz revista ArtReview

Grupo de mulheres faz gesto com a mão

SÃO PAULO –movimento MeToo, que tem denunciado abusos contra mulheres e deflagrado discussão sobre a disparidade de gênero, produziu abalos nos mais diversos ramos da economia e da cultura —inclusive no mercado de arte, como atesta a mais recente lista dos Power 100 da revista ArtReview.

A publicação prestigiosa, que escolhe anualmente os cem mais poderosos do mundo da arte, colocou o movimento no terceiro lugar do ranking divulgado neste mês. 

Como justificativa, destacou que mudanças dramáticas de poder no mercado em 2018 se devem diretamente aos protestos feministas. “Além de provocar renúncias de alto nível, o MeToo mudou o clima no qual se apontam curadores, se entregam prêmios e se enquadram exposições”, escreveu a revista.

São citadas no terremoto que acometeu a cena cultural as denúncias que levaram à demissão de Riyas Komu, cofundador da Bienal Kochi-Murizis, na Índia, maior festival de arte contemporânea da Ásia; e o movimento We Are Not Surprised, grupo de artistas e funcionários do mercado de arte que acusou Knight Landesman, então publisher da revista Artforum, de assédio sexual.

No primeiro lugar da lista, está o galerista alemão David Zwirner, que tem ocupado posições no top dez do ranking desde 2010 e agora chega à pole position, no ano em que expandiu sua galeria —que já tem três espaços em Nova York e um em Londres— também para Hong Kong.

Zwirner representa mais de 60 artistas, incluindo as superestrelas Jeff Koons e Yayoi Kusama, e tem faturamento anual estimado em cerca de meio bilhão de dólares.

O Brasil aparece com três nomes no top cem: a posição mais alta é a da galerista paulistana Luisa Strina, constante no ranking desde 2012, mas que caiu 30 posições em comparação a 2017, de 49º para 79º lugar.

Em 96ª posição, vem Vanessa Carlos, que estreou em 100ª na lista no ano passado e é responsável, em Londres, pelo projeto Condo, que organiza colaborações entre galerias —ela também foi uma personagem vocal do movimento We Are Not Surprised nos últimos meses.

E em 98º, com queda de sete posições desde o ano passado, estão Felipe Dmab, Pedro Mendes e Matthew Wood, donos da galeria Mendes Wood DM, com presença em São Paulo, Nova York e, recentemente, Bruxelas.

O Brasil já foi mais populoso no ranking da ArtReview —em 2014, os quatro representantes do país incluíam Adriano Pedrosa, diretor artístico do Masp, e Bernardo Paz, fundador do Inhotim. As quedas apontam para o período difícil que vivem as artes brasileiras nestes anos de recessão —mais crítico em instituições como a de Brumadinho (MG), às voltas com seus próprios escândalos financeiros. [Valter Porto]

Exposição com curadoria de Wes Anderson e Juman Malouf é sucesso em Viena

Cineasta e sua companheira reuniram mais de 400 objetos no Kunsthistorisches Museum

Cineasta Wes Anderson ao lado da companheira, a ilustradora e escritora Juman Malouf

Foi vestindo um terno de veludo cor de berinjela que o cineasta Wes Anderson se apresentou diante de centenas de austríacos, assim como amigos famosos do quilate de Tilda Swinton e Jason Schwartzman, na abertura da exposição Spitzmaus Mummy in a Coffin and other Treasures (Múmia de Spitzmaus num caixão e outros tesouros), em 5 de novembro. O evento marcou a estreia do diretor como curador ao lado da companheira, a ilustradora e escritora Juman Malouf.

A convite do Kunsthistorisches Museum Vienna o casal reuniu mais de 400 objetos retirados de todas as 14 coleções históricas do museu especialmente para a mostra, que pode ser visitada até 28 de abril 2019. Entre elas estão antiguidades egípcias, gregas e romanas, pinturas de antigos mestres, itens do Tesouro e do Arsenal Imperial, moedas e instrumentos musicais históricos. “Achamos que seria fácil, mas estávamos errados”, brincou o diretor de filmes como O Grande Hotel Budapeste (2014).

O resultado é a maior exposição que a instituição já realizou. Segundo o museu, mais da metade das peças nunca havia sido vista antes – a maioria estava escondida nos cantos mais escuros do prédio do século XIX na capital austríaca.

Como uma apresentação peculiar de personagens desajustados que se descortina na tela a cada trabalho de Anderson, a propensão da dupla para os itens excêntricos da coleção fica clara em um passeio pela mostra. Uma fileira de 22 bustos em miniatura, por exemplo, abrange estilos e séculos, organizados não por cronologia ou contexto, mas por tamanho.

Membros quebrados de esculturas desconhecidas merecem lugar de destaque ao lado de uma antiga estátua da era romana também desconhecida. “São coisas que normalmente não seriam mostradas”, diz o curador britânico Jasper Sharp, que prestou assistência ao casal ao lado de Mario Mainetti, da Fondazione Prada. Milão, aliás, será a próxima parada da exposição, a partir de outubro de 2019.

Pharrell, Bono e outros artistas gravam álbum em memória da gata de Sophie Calle

A compilação de 38 faixas está exposta na Galerie Perrotin, em Paris

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A compilação está exposta na Galerie Perrotin, em Paris Foto: Courtesy Perrotin


A artista Sophie Calle recrutou 38 músicos – entre eles Pharrell WilliamsJarvis CockerLou Doillon e Bono Vox – para escrever uma música original para uma exposição. Até aí tudo bem. Mas os artistas receberam uma instrução específica: compor uma faixa dedicada à memória de sua gata, Souris (rato, em francês), morta em 2014.

Ao Wall Street Journal, Calle contou que a ideia surgiu após a amiga Laurie Anderson, artista experimental americana, ter escrito uma canção para a felina. O presente levou a francesa a considerar o recrutamento de outros artistas para gravar um álbum memorial completo.

De todos os músicos que contribuíram para o disco, dez conheciam o gato pessoalmente. Àqueles que não estiveram com o bichinho, Sophie enviou descrições, fotos e um vídeo de quatro minutos com hábitos específicos de Souris.

Entre as canções, há peças escritas especificamente sobre Souris, outras sobre gatos em geral e algumas que focam em temas mais amplos de luto, perda e ausência. A compilação está exposta na Galerie Perrotin, em Paris.

“Talvez depois eu tenha outro gato, mas no momento não quero. Ela ainda está aqui”, disse Calle à agência de notícias Artnet News.

Casa dos pais de Andy Warhol, vilarejo eslovaco reúne museu do artista da Pop Art

Poucos dos cerca de cem moradores se importam muito com a sua arte
Andrew Siggins e Miroslava Germanova, The New York Times

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Uma parada de ônibus em frente ao Andy Warhol Museum of Modern Art em Medzilaborce, Eslováquia. Foto: Brendam Hoffman para The New York Times


MIKOVA, Eslováquia – Um primo eslovaco de Andy Warhol, o ícone da arte pop, sabia que o seu parente americano era um pintor.

Deduziu isto das cartas que a tia, a mãe de Warhol, enviava para Mikova, a aldeia nos pés dos Montes Cárpatos onde os pais do artista viveram antes de imigrar nos Estados Unidos. “Eu pensei que ele pintasse casas”, disse Jan Zavacky, 73.

Ninguém em Mikova cometeu tal erro por muito tempo.

Desde a morte de Warhol, em 1987, a pequena aldeia na Eslováquia mais ou menos abraçou o seu papel de lugar de peregrinação para os fãs do artista. Eles tentam entender como as origens de sua família podem ter influído para a sua ascensão ao firmamento das celebridades.

A vizinha cidade de Medzilaborce transformou o prédio dos Correios da era comunista em Museu Andy Warhol de Arte Moderna. A rua principal da cidadezinha tem o nome de Andy Warhol. Na estrada para Mikova, uma tabuleta com Warhol com sua peruca de cabelos rebeldes anuncia a aldeia como a sua terra natal.

Depois de ondas de emigração, restam poucos moradores – um homem que cuida do gado, umas dezenas de aposentados e algumas famílias de Roma. Mas todos conhecem a história do filho de Andrej Varchola e Julia Zavacky-Varchola, nascido nos Estados Unidos, que teve um enorme sucesso em Nova York, depois de mudar o seu sobrenome para Warhol.

Mas poucos dos cerca de cem moradores se importam muito com a sua arte.

Nos Estados Unidos, “você não precisa ser muito bom em alguma coisa”, disse sua prima Julia Varcholova. “Só precisa ser diferente”.

Na margem da propriedade em Mikova, que ela deixou anos atrás ao se mudar para a cidade, há um velho poço de pedra, a única estrutura remanescente dos tempos em que o pai de Warhol morava naquele pedaço de terra. Os entusiastas de Warhol vêm para admirá-lo, ela disse.

O vilarejo está muito distante do caminho que pode esclarecer o que Warhol, às vezes com palavras enigmáticas, afirmava: “Eu não venho de parte alguma”. Mikova sequer tem um café ou um bar.

Michal Bycko, especialista em arte que montou o Medzilaborce museu com a ajuda da família de Warhol nos Estados Unidos, contou ter visitado Mikova nos anos 70, e na época tentou divulgar a notícia de que o filho de Andrej e Julia havia se tornado famoso pintando imagens das Latas de Sopa Campbell e Marilyn Monroe. “Eles riram na minha cara”, lembrou Bycko, e ficaram “ultrajados” quando ele mostrou uma imagem de Warhol com uma peruca despenteada.

A Eslováquia de então era ainda parte da Checoslováquia e estava sob o domínio de um governo comunista que não tinha o menor interesse em celebrar um artista cuja obra celebrava o consumismo.

As opiniões mudaram depois da morte de Warhol, que, segundo Bycko, provocou uma “avalanche de interesse”.

O museu Medzilaborce foi inaugurado em 1993. Ele hospeda a maior coleção de arte e de obras de Warhol, como 10 estampas da Campbell’s Soup Can, várias Marilyn Monroe, uma jaqueta de pele de cobra usada pelo artista e um par dos seus óculos.

Assim como Warhol, que passou da arte comercial para a vanguarda e dali para a celebridade, não é fácil rotular o vilarejo de sua família como exemplo de uma única cultura ou identidade. Quando seu pai se mudou para os Estados Unidos, às vésperas da Primeira Guerra Mundial, Mikova fazia parte do império Austro-Húngaro. Quando sua mãe o seguiu anos mais tarde, tornara-se parte da Checoslováquia.

Este país foi dividido em dois em 1993.

Com isto, Mikova recebeu sua própria identidade como parte da Rutênia, uma nação que existiu como entidade política por apenas um dia em 1939, mas que sobreviveu durante séculos como uma cultura e uma língua separadas entre a Eslováquia, Ucrânia e Polônia.

Os pais de Warhol falava ruteno, e o artista o compreendia o bastante para usá-lo em 1990, quando se encontrou com o papa João Paulo II, que conhecia a língua por ter crescido no sul da Polônia.

Ao contrário dos seus dois irmãos mais velhos, Warhol nunca visitou o vilarejo natal da família.

Bycko disse que Warhol nem desconfiava de suas raízes e se referia a si mesmo como vindo “de lugar nenhum” porque o país que seus pais deixaram não existia mais. “Andy nunca negou suas origens”, ele disse.